Películas

Poder, familia y la corrupción que viene de creer que podés mantenerlos separados. El paso de Michael del idealismo al pragmatismo frío es el arco central del cine estadounidense.

Una ambición que consume todo lo que tiene alrededor, incluida ella misma. Daniel Day-Lewis da la actuación definitiva de un hombre que gana convirtiéndose en lo que desprecia.

La épica de gánsteres vista desde la vejez. Después de todo el poder y la violencia, terminás solo en un geriátrico con la puerta abierta.

Crecer en una ciudad latinoamericana donde las instituciones fracasaron, contado sin sentimentalismo. La película más honesta sobre lo que pasa cuando el Estado abandona un lugar.

Alienación en una ciudad llena de gente. La soledad de Travis Bickle no es romántica. Es peligrosa, y la película nunca finge lo contrario.

La venganza como autodestrucción. La pelea en el pasillo es famosa, pero la verdadera brutalidad está en el final.

Obsesión sin resolución. El verdadero tema no es el asesino sino lo que la búsqueda les hace a los que no pueden dejar de buscar.

La película más fría de Fincher. Lisbeth Salander es uno de los grandes personajes de la ficción contemporánea. La competencia como mecanismo de supervivencia.

La identidad como actuación. Todos fingen ser otra persona, y el sistema premia a los mejores mentirosos.

Cine argentino de estafadores en su mejor versión. La confianza es la moneda, y la película misma le hace el cuento al espectador. Si creciste en Buenos Aires, reconocés a cada personaje.

Demostró que la estructura misma podía ser un acto creativo. La narración no lineal cambió lo que el público estaba dispuesto a seguir.

Cómo las instituciones se construyen sobre la violencia y después borran la memoria de esa violencia. Daniel Day-Lewis carga una película desprolija a pura fuerza.

Confianza y traición en un sistema cerrado. El guion más ajustado de Tarantino. Todo lo que importa pasa fuera de cámara o en el diálogo.

Cada plan falla, cada falla abre una oportunidad y de alguna manera todo se resuelve. Más graciosa y más para volver a ver de lo que tendría derecho a ser.

La película más melancólica de Tarantino. Una carta de amor a un mundo que se termina, contada por gente que todavía no lo sabe.

El sistema no castiga a Belfort. Lo absorbe. Que el público lo disfrute es justamente lo que Scorsese quiere mostrar.

El debut de Guy Ritchie, más ajustado y más gracioso que todo lo que vino después. Consecuencias en cascada jugadas como comedia.

La pastilla roja como ruptura epistemológica. Sigue siendo el mejor tratamiento popular de la simulación, la realidad y el costo de conocer la diferencia.

El viaje río arriba es un viaje hacia la lógica que las instituciones intentan suprimir. Kurtz entendió algo que el ejército no se podía dar el lujo de reconocer.

Ese raro tanque de Hollywood que se toma en serio el pesimismo del material original. El arco de Paul es una advertencia sobre el liderazgo carismático, no una celebración.

Nihilismo de consumo y el deseo de autenticidad a través de la destrucción. El giro es menos interesante que la crítica que habilita.

Las ideas como infraestructura. Nolan armó un mundo donde la arquitectura del pensamiento se construye literalmente y las reglas tienen que ser consistentes entre sí. El golpe es secundario frente a la construcción del mundo.

La deconstrucción del heroísmo que la mayoría de las películas de superhéroes finge que no existe. El absolutismo moral de Rorschach contra el cálculo utilitarista de Ozymandias es un conflicto filosófico genuino.

El argumento del Joker de que la civilización es una capa fina sobre el caos nunca se refuta del todo. La verdadera tensión de la película es que puede tener razón.

La pregunta no es qué es real, sino si se puede sobrevivir a conocer la verdad. La película más subestimada de Scorsese.

El minimalismo como construcción de personaje. El conductor casi no habla, y cada silencio dice más de lo que diría un diálogo. Refn entendió que la contención es una forma de violencia en sí misma.

Villeneuve demostró que la ciencia ficción no tiene que ser rápida para ser inmersiva. El ritmo es el punto. Pide paciencia.

La mitología y la gente que se destruye por estar cerca de ella. La fotografía más hermosa de cualquier western. Pide paciencia y la recompensa.

Dos películas en una: la fabricación de un soldado y el desarme de todo lo que ese proceso prometía. La disección más fría de Kubrick sobre la violencia institucional.

El noir como forma pura. El lenguaje visual está tan jugado que la historia casi queda en segundo plano frente a la estética.

El lenguaje como arma. La escena inicial es uno de los mejores ejercicios de tensión sostenida que se filmaron. Hans Landa da miedo porque es brillante.

Tres estrategias para sobrevivir en un mundo sin ley. Leone entendió que la moral es un lujo de los sistemas estables.

El deber que sobrevive al colapso de la institución que le daba sentido. El marco estoico no es subtexto. Es todo el punto.

Tarantino usando el género para enfrentar la historia de manera directa. Christoph Waltz hace la mejor defensa de la competencia como acción moral.

Un hombre sin memoria y con todas las habilidades. Cine de espías concreto y físico que hizo que el género largara los gadgets.

Paul Greengrass toma el mando y la cámara se pone a correr. Persecución en auto por Moscú incluida.

La mejor de las tres. La estación Waterloo y Tánger siguen siendo la vara de cómo filmar una persecución.

Fracasos interconectados a través de fronteras. El punto no es que estemos todos conectados sino que la conexión no implica entendimiento.

La civilización como práctica estética. Gustave H. mantiene sus estándares justamente porque el mundo a su alrededor se derrumba. La película más seria emocionalmente de Anderson.

Lo que pasa cuando la historia que te contás sobre tu vida deja de ser sostenible. La actuación de Blanchett es una demolición controlada.

La negativa del Dude a sumarse a la urgencia de cualquier otro es o una vagancia profunda o una postura filosófica radical. Los hermanos Coen nunca te dicen cuál.

La nostalgia como trampa. Cada época idealiza a la anterior. Que Gil se dé cuenta de que está haciendo exactamente lo que critica es la única forma honesta de terminar la película.

Tres hermanos que intentan reconectarse a través de un viaje espiritual que nunca se vuelve espiritual. La metáfora del equipaje es literal, y ese es el chiste.

Dos maneras de encarar la vida, seguridad contra pasión, puestas a prueba frente a una tercera persona que se niega a elegir. Bardem y Cruz hacen que el caos parezca inevitable.

Una familia de fracasados que descubre que perder juntos es mejor que ganar solos. El final es uno de los grandes actos de rebeldía colectiva de la comedia.